Solo existe un México: el que yo inventé. La leyenda de Emilio «Indio» Fernández

Horario

Acceso libre sin recorrido guiado (no requieren registro previo)

Lunes a viernes de 10:00h a 15:30h
Sábados y domingos de 10:00 a 12:30h

Acceso con recorrido guiado (con entrada y sin entrada)*

Lunes a viernes de 16:00h a 21:30h
Sábados y domingos de 13:00 a 21:30h

*El acceso es a través de dos filas: una para personas con entrada y otra para personas sin entrada

Biografía Paola Perdomo, diseñó y conceptualizó el altar de muertos 2023

Wedding and Event Planner desde 1997. Dentro de su empresa se dedican desde hace 26 años a organizar y diseñar todo tipo de eventos sociales, corporativos, personales y filantrópicos. Planea eventos principalmente en la Ciudad de México y desde el 2021 en España.

Paola es Licenciada en Administración Hotelera con experiencia en la planeación de eventos desde 1997, siendo las bodas su especialidad. Con sus amplios conocimientos y trayectoria en el mundo de los eventos, hoy en día Paola es una de las organizadoras de eventos más reconocida a nivel nacional, recomendada tanto por los mejores proveedores como por sus clientes.

Paola ha participado en dos de las publicaciones más importantes que se han hecho en México en este ámbito, “las Bodas en México” y “100 Bodas por todo México”. En estos libros, se muestra el trabajo de los mejores exponentes de la decoración y organización de eventos en México.

Biografía Pedro Ortega Lozano

Pedro Ortega Lozano (Ciudad de México, 1960) nombrado Gran Maestro del Arte Popular Mexicano por Fomento Cultural Citibanamex en 1996, aprendió a picar papel de niño, observando y jugando con las herramientas y los materiales cuando veía a los artesanos de Tláhuac hacerlo durante la organización de las fiestas tradicionales del barrio y empezó a imitarlos. Inspirándose en la arquitectura barroca, encontró gran inspiración en la capilla de los arcángeles de la Catedral Metropolitana para desarrollar nuevas formas de representación y técnicas innovadoras en el manejo del papel. En 1992 hizo un retablo que le valió el primer lugar del gran premio de arte popular de Fonart en la rama de papel y cartonería. Desde entonces sus minuciosos retablos, altares y escenas de la vida de Jesús lo han posicionado como un artesano del papel, con obras que en ocasiones también decora con tinta china, acuarela, pasamanería o bisutería. Tuvo la oportunidad de conocer de cerca al pintor oaxaqueño Rodolfo Morales, quien influyó mucho en su técnica de dibujo. Pedro ha compartido sus conocimientos sobre la técnica tradicional del papel picado con sus tres hijos: Adrián (1984), Eloy (1986) e Ismael (1990) Ortega Solís. Ha sido merecedor de múltiples reconocimientos y premios en diversos concursos nacionales y de otros países donde es tradicional el trabajo en papel, como en Japón, por ejemplo, donde participó en el Concurso Internacional de Diseñadores de Papel. Pertenece a la Asociación Internacional de Cortadores de Papel y ha impartido múltiples talleres a niños y jóvenes interesados en el dominio de la técnica. Su obra se halla en acervos del Museo de Arte Popular en Fomento Cultural Citibanamex y en colecciones privadas. Ha participado siete veces en el International Folk Art Market, de Santa Fe, Nuevo México, donde sus piezas tienen gran éxito

Cooperativa Sna Jolobil (San Cristobal de las Casas, 1976)

Sna Jolobil es una organización sin fines de lucro indígena fundada en 1976, conformada por cientos de tejedoras de unas 30 comunidades chiapanecas. Su objetivo es revivir técnicas textiles mayas y vender productos para el sustento de las tejedoras y familias en los Altos de Chiapas.

Sus prioridades son preservar técnicas textiles de lenguas Tzotzil, Tzeltal, Chol y Tojolabal, difundir su cultura y respetar la naturaleza al usar materiales naturales y evitar la contaminación. Sna Jolobil ha salvado la indumentaria tradicional y otros objetos de sus comunidades, que de otra manera se habrían perdido. Su impacto económico, toma de decisiones colectivas y gestión productiva la destacan como experiencia representativa entre comunidades indígenas del país. El éxito productivo de esta organización, liderada por mujeres artesanas, inspiró la formación de nuevas cooperativas en otras áreas como el café y la miel.

En 2002, la UNESCO premió su trabajo y en 2017, recibieron el «Community Impact Award» del International Folk Art Market en Santa Fe, Nuevo México.

Macrina Mateo Martínez (San Marcos Tlapazola, sin fecha)

Macrina Mateo es una alfarera zapoteca, integrante y cofundadora de la cooperativa Mujeres del Barro Rojo, especializada en piezas de barro rojo como vasijas, tazas, vasos, comales y jarras, tanto utilitarias como decorativas.

Aprendió la técnica de su madre, siguiendo la tradición de transmisión generacional en su comunidad. Desde adolescente, desafiando normas, comenzó a vender sus piezas, un rol que tradicionalmente pertenecía a los hombres. Su motivación principal es preservar el arte ancestral y garantizar que la alfarería sea no solo una artesanía, sino también un sustento económico. En la cooperativa, las mujeres manejan todas las fases, desde la recolección de arcilla hasta el horneado de leña sin humo. Utilizan tintes naturales derivados de insectos y plantas, regados con energía solar. El proceso de una pieza puede durar hasta una semana, según el clima.

Macrina promueve la técnica zapoteca, con más de 3.500 años de historia, organizando una feria anual en Oaxaca y colaborando con colectivos de arte en México y EE. UU. Su arte ha sido reconocido en México, Canadá, EE. UU. e Italia.

Rachel Levit Ruiz (Ciudad de México, 1990)

Rachel Levit nació en la ciudad de México en 1990. Estudió arte en Parsons, The New School of Design. Actualmente trabaja como ilustradora freelance y artista visual desde su ciudad natal. Sus obras han aparecido en publicaciones como The New York Times, The Paris Review y The New Yorker. En el 2016, Draw Down Books publicó su libro de dibujos titulado «Shifted». En el 2017 fue aceptada como miembro de la asociación Alliance Graphique Internationale.

Izaskun Díaz Fernández (Ciudad de México, 1987)

Izaskun Díaz es perfumista mexicana con estudios en Química en la UNAM y Korea University en Seúl. Se inició en la perfumería en la filial mexicana de Robertet Groupe, donde fue elegida para entrenamiento in-house como perfumista, participando en proyectos de perfumería fina, cuidado personal y fragancias ambientales. Actualmente es directora creativa y perfumista en su propio estudio, Izaskun Estudio Olfativo, diseñando fragancias para proyectos exclusivos con diferentes fines, olores experimentales, colaboraciones de arte olfativo e impartiendo talleres de educación olfativa. Ha participado en actividades y colaboraciones académicas y docentes con instituciones como son la Facultad de Arquitectura UNAM, FUNDARQ, Universidad Autónoma de QuerétaroUniversidad Anáhuac Mayab, el grupo CAPIRE de la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de la ciudad de Londres (UCL). Ha colaborado en la creación de fragancias experimentales con diferentes diseñadores en instalaciones que se presentaron en eventos como el Abierto Mexicano de Diseño, Design Week y Maison Diez Company; así como colaboraciones de índole experimental y artísticos con varios artistas y curadores. En la actualidad se encuentra colaborando con artistas del Sistema Nacional de Creadores para un par de video instalaciones, una serie de barnices olfativos y un proyecto de arte-objeto alrededor de temas arquitectónicos sensoriales. Su interés como perfumista es explorar el papel de los olores en la identidad personal y colectiva, tanto en individuos como en espacios; logrando esto a través de mapas espacio-temporales-afectivos olfativos, la investigación y creación de paisajes olfativos y la expresión de afectos abstractos a través del olor.

Cecilia León de la Barra (Ciudad de México, 1975)

Cecilia León de la Barra diseñadora Industrial egresada en 1999 por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México y Maestra en Estudios de Diseño en 2015 por el Centro de Diseño Cine y Televisión en la Ciudad de México. Trabaja en proyectos independientes de producto, mobiliario, interiores, consultorías y curaduría de diseño. En el 2010 presentó la exposición HECHO A MANO: Nuevos Procesos Colaborativos de Diseño, en Casa del Lago Juan José Arreola. En 2014 curó las exposiciones COPIAS: transformación y evolución de procesos creativos en Archivo Diseño y Arquitectura con Jorge Gardoni y Contar el tiempo, Centro 2004-2014 exposición que celebró el décimo aniversario de la universidad Centro Diseño Cine y Televisión. En 2015, co-curó la exposición Trazos Ciclistas al lado de Regina Pozo y David Ortega para Archivo Diseño y Arquitectura. En 2018, Colección de Momentos. Diseño en México 1999-2015, en el Museo Universitario del Chopo. Desde el 2014 ha sido curadora de la sección de diseño para la feria de arte contemporáneo Zona Maco. Del 2004 al 2011 impartió clases en la Universidad Iberoamericana. Es académica en Centro de Diseño, Cine y Televisión en la Carrera de Diseño Industrial desde 2005 y directora de la Licenciatura en Diseño Industrial desde el 2020.

Bárbara Sánchez-Kane (Mérida, 1987)

Bárbara Sánchez-Kane estudió Ingeniería Industrial en la Universidad Anáhuac para después estudiar Diseño de Moda en la escuela Polimoda en Florencia, Italia. En 2015 se graduó con “Catch as a Catch can” durante PITTI UOMO, colección que le valió ser nombrada una de las mejores diseñadoras emergentes en el punto de mira según Vogue Talent Italia. Ese mismo año lanzó Sánchez-Kane —una casa de moda motivada por su herencia mexicana, influenciada por elementos personales y curada por un caos emocional. Ya sea a través de prendas unisex o de prácticas de instalación, pintura, performance, poesía y escultura, Sánchez-Kane cuestiona la masculinidad hegemónica, la construcción social del género y la identidad sexual. Se apropia de objetos y prendas de vestir cotidianas para deconstruirlas, reconstruirlas e imbuirlas de un nuevo significado. El resultado es un intercambio entre el arte y la moda que neutraliza las asociaciones binarias de objetos, cuerpos y símbolos y subraya su naturaleza performativa. Sus colecciones de moda y obras artísticas se han presentado en Los Ángeles, Maastricht, Ciudad de México, Milán, Paris, Nueva York, Tokio y Viena. La galería kurimanzutto representa a Bárbara Sánchez-Kane, quien vive y trabaja en Ciudad de México.

Aurora Pellizzi (Ciudad de México, 1983)

Aurora Pellizzi vive y trabaja en la Ciudad de México. Hija de antropólogos, nació en 1983 en la Ciudad de México y creció entre Nueva York y Cuernavaca. Estudió arte en Cooper Union School (BFA, 2010) e historia del arte en New York University (BFA, 2005). Pellizzi yuxtapone referencias académicas formales de la pintura y la escultura, con técnicas y materiales artesanales. Su práctica artística se nutre de procesos textiles prehispánicos. Su producción desdibuja las fronteras entre las artes “bellas” y “aplicadas” y la bi y tridimensionalidad. Temáticamente, el cuerpo femenino es protagónico en su trabajo. En su representación, los cuerpos se descomponen, se transforman y se estilizan hasta convertirse en motivos geométricos, inspirándose simultáneamente en las iconografías del Renacimiento italiano, el arte Pop americano y la tradición textil mexicana.La obra de Pellizzi ha sido expuesta en Austria, Bélgica, Colombia, Estados Unidos, Francia, Italia, Marruecos, el Reino Unido y México, incluyendo exposiciones en el Museo de Arte Maya de Cancún y el Museo de Artes Populares de la Ciudad de México. Algunas de sus exposiciones individuales incluyen “Cuerpos Flotantes” en el Instituto Italiano de Cultura de México (2022), “El Deseo Aparece de Repente” en la galería Instituto de Visón en Bogotá (2022), entre otras. Ha publicado dos libros de artista “Serpientes” (2016) y “Transfiguration” (2021). Su trabajo ha sido reseñado y figurado en Agenzia Ansa, Art Net News, Art & Object, The Art Newspaper, Art Observed, Art Review, entre otras revistas de alto prestigio.

Flaminguettes [Daniela Villanueva (Ciudad de México, 1984) y Mara Soler (Ciudad de México, 1983)]

Flaminguettes es un dúo creativo de chicas mexicanas que busca dar vida a proyectos de diversas disciplinas desde un punto de vista más personal. Especializándose en proyectos y conceptos de alta calidad, Mara y Daniela dirigen y realizan animación, video, instalación y diseño para un amplio espectro de clientes y entornos. Desde finales del 2015, pertenecen a AGI / Alliance Graphique Internationale representando a México en el ámbito del diseño multidisciplinario. Han trabajado con clientes nacionales e internacionales como Air France, Cirque du Soleil, Nike, Adidas, Cerveza Victoria, Sony, ID Magazine, Vive Latino y el Jardín Botánico de Culiacán entre otros.

Paulina López Morales (Ciudad de México, 1987)

Paulina López Morales vive y trabaja en la Ciudad de México. Licenciada en Diseño textil y de moda por la Universidad CENTRO. Desde el 2014 forma parte de la docencia para la misma universidad, en la Especialidad en Diseño Contemporáneo de Joyería. Ese mismo año funda su estudio de joyería “Rodete Studio”. Su acercamiento a las artes visuales comenzó de manera orgánica, al tratar materiales naturales en la producción de piezas de joyería, como rocas calizas. Esto despertó el interés de Paulina por explorar los límites de la joyería en relación entre el cuerpo y el espacio. En 2015 comienza la Maestría en Artes Visuales en la Antigua Academia de San Carlos, donde se involucró en la construcción simbólica colectiva del espacio público, mediante acercamientos al happening y performance. Este mismo año, obtiene la Beca del FONCA para Jóvenes Creadores, la cual le facilita viajar a Alemania y Australia. La evolución y transformación del objeto petrificado forman parte primordial dentro de la búsqueda actual que motiva a Paulina. Se ha involucrado con el estudio del cuerpo como territorio y la extensión del mismo en el espacio. Las piezas de Paulina, proponen una lectura entorno a la naturaleza de los materiales y las narrativas con implicaciones tanto personales como sociales. Paulina ha expuesto su obra, tanto de joyería como artística, en lugares como el MUAC, Museo Franz Mayer, la galería Velvet Da Vinci en San Francisco, la Biblioteca de Melbourne en Australia, entre otros. Así como diversos performances In-Situ en ciudades como Munich, Melbourne, Querétaro y la Ciudad de México.

Elena Moncada Luna (Guadalajara, 1968)

Isabel Moncada Luna (Guadalajara, 1968)

CUATA Jewelry es un estudio de diseño y taller de manufactura de joyas, integrado por las gemelas Elena Moncada e Isabel Moncada, donde ellas diseñan y elaboran joyería y algunas piezas de orfebrería. Inspiradas en la dualidad, resultado del lenguaje que han desarrollado siendo gemelas. Trabajan en unión, logrando una gran sinergia gracias a la polaridad de sus personalidades. Las piezas de la colección MAXA, presentes en la exposición Diseño en Femenino, están hechas con plata y con astas de venado y aunque hacen de cada modelo una serie, son únicas porque cada porción de asta que la compone es distinta en cada pieza. MAXA significa “venado” en lengua wixárica. “Utilizamos las astas de venado, sin dañar la especie, ya que el ciervo macho, muda su cornamenta anualmente. Esto nos impulsa a apoyar su recolecta, siendo un ingreso para las comunidades campestres de bajos recursos del norte de México, ellos protegen y mantienen viva a la especie por este y otros motivos de tipo cultural y religioso”. El venado ha representado, por muchos siglos en México y en otras culturas del mundo, un símbolo de espiritualidad y fuerza, la renovación perpetua de la vida y de las estaciones. “Nuestro trabajo con los metales nos ha llevado a hacer del oficio un arte. Una especie de alquimia; antigua práctica y diciplina filosófica que combina elementos de la química, la metalurgia, la física, el misticismo y el arte.”

Linda L. Franco (Ciudad de México, 1987)

Linda Franco es la cofundadora y directora ejecutiva de Machina, una empresa de tecnología de la moda que crea prendas que amplían la funcionalidad del cuerpo humano. Linda ha sido nombrada una de las 30 promesas de Forbes México menores de 30 años, innovadora del MIT menor de 35 años, mujer emprendedora de alto crecimiento por el BID (Banco Interamericano de Desarrollo). Ha aparecido como una de las MakeHers de Intel, Women Tech Makers de Google, y ha dado conferencias en algunos de los eventos más destacados del mundo centrados en la innovación, el diseño, emprendedurismo, la sostenibilidad y la moda, como Wired London, Hardware Massive, Tedx, Women 2.0. eventos en San Francisco, Decoded Fashion en Londres, Smart Content Conference Seúl, Tedx London, entre otros. Machina ha aparecido en The Washington Post, Fast Company, BBC, CNN, Vice, Hypebeast, Elle, Vogue y más. Linda y su equipo están llevando la industria al siguiente nivel con la idea de un streetwear inteligente.

LANZA Atelier [Isabel Abascal (Madrid, 1984) y Alessandro Arienzo (Ciudad de México, 1987)]

El taller de arquitectura LANZA Atelier fue fundado en 2015 por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo. Para LANZA la arquitectura es una manera de contribuir a la realidad y de posicionarse en el mundo. El estudio otorga importancia a la belleza de los procesos de diseño y producción y a las personas involucradas en ellos. LANZA pretende realizar proyectos conceptualmente fuertes con formalizaciones sencillas y espacialidades potentes comprensibles por todos los públicos. LANZA ha sido nominado al Premio de Obras de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura 2016, al Mies Crown Hall Award del IIT Chicago 2016 y 2022, al Premio Debut de la Trienal de Lisboa 2019, al Dezeen Exhibition Design Award y al Brick Award 2022. El estudio ha sido acreedor del League Prize 2017 del Architectural League of New York. El museo SFMOMA celebró en 2018 la primera exposición individual sobre LANZA Atelier. LANZA también ha expuesto en la Bienal de Arquitectura de São Paulo 2019 y lo hará en la Bienal Latinoamericana 2023.

Melissa Aldrete (Guadalajara, 1987)

Melissa Aldrete Lazo de la Vega estudió Dirección de Arte en la Universidad de la Artes en Londres, su formación multidisciplinaria se ha inclinado hacia la Investigación de procesos cerámicos y búsqueda de materiales naturales que provoquen sensaciones y generen diálogo. Dentro de sus intereses está el Diseño, la Ilustración, la Biología, la Fotografía, la Tanatología y la Historia. Co- fundadora del estudio Cerámico Popdots, donde se generan productos comerciales en conjunto con investigaciones para la implementación de nuevos procesos cerámicos. Co-fundadora de la Editorial MERMA y fiel admiradora de la Ciencia Ficción y los Videojuegos. Directora de la empresa Celulosa y Polímeros (2013), Imprenta dedicada a las Artes Gráficas en el que se generan empaques y proyectos de diseño, donde se ha colaborado en conjunto de organizaciones como WWF (World Wildlife Fund) y la Organización de las Naciones Unidas. Ha realizado instalaciones artísticas en Casa Conceptos (Guadalajara 2013), Centro Cultural KuK (Guadalajara 2014), “PNEUMA” en MIND, el edificio de México Innovación y Diseño (Guadalajara 2015) y LARVA, Laboratorio de Arte y Variedades (Guadalajara, 2017), entre otros. Su trayectoria contempla exhibiciones en LDW London Design Week (2014) (2019), MIDIM Muestra Internacional de Diseño Mexicano (Milán, Barcelona, Madrid, Londres, 2014), la feria WIT en hotel Demetria (Guadalajara 2015) (2019) y otras ferias y festivales renombrados. Es socia fundadora de la editorial MERMA (2015), colaboró con la plataforma Internacional Creative Mornings, y actualmente forma parte del colectivo OccidenteMX (2014).

Cristina Paoli (Ciudad de México, 1980)

Cristina Paoli es maestra en Diseño Gráfico por la London College of Communication y licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana.

Es autora del libro Mexican Blackletter publicado por Mark Batty Publisher en Nueva York en 2006. Este es una investigación gráfica y teórica sobre el uso de la letra gótica en la gráfica popular mexicana. En 2011 funda en la Ciudad de México, PERIFERIA, un estudio de diseño de libros de arte y comunicación gráfica cultural. Ha diseñado libros y/o gráficos para instituciones como el Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC-UNAM (México), Museo Tamayo Arte Contemporáneo (México), Yerba Buena Center for the Arts (Estados Unidos), SITE Santa Fe (Estados Unidos), MACBA – Museu d’Art Contemporani de Barcelona (España), CA2M – Centro de Arte 2 de Mayo (España); editoriales como Arquine (México), Turner (México-España), RM (México-España), Cosac Naify (Brasil), Hatje Cantz (Alemania), Electa Mondadori (Italia), Walther König (Alemania); y artistas como Teresa Margolles, Melanie Smith y Francis Alÿs, entre otros. En 2014 obtuvo la Mención Honorífica en la categoría de Colección del 1er Premio Latinoamericano al Diseño Editorial en Buenos Aires, Argentina por el diseño de la colección Folios MUAC, y en el mismo año el DAM Architectural Book Award otorgado por Deutsches Architekturmuseum y la Feria de Libro de Frankfurt en Alemania por el diseño del libro Talca, cuestión de educación. En 2017 realizó la exposición Rótulos México en el MUCA-Roma de la UNAM, cuyo objetivo fue celebrar el oficio del rotulismo y sus cruces con el diseño gráfico.

Rachel Levit Ruiz (Ciudad de México, 1990)

Verónica Monsivais (Salamanca, 1972)

Daniela Garza Salinas, diseñadora gráfica, nació en Monterrey, Nuevo León. Se especializa en la conceptualización de ideas, liderazgo de equipos creativos, así como creación y manejo de marcas nacionales e internacionales. Su enfoque es el aprovechamiento máximo de tiempo, talento y recursos en conjunto con la colaboración y sinergía de trabajo en equipo para lograr desarrollar proyectos multidisciplinarios memorables y distintivos en la industria. En su carrera profesional ha tenido la oportunidad de transitar en diferentes roles dentro de Anagrama Studio, una de las agencias más importantes de Latino America, que ha dictado tendencia en la industria del diseño desde sus inicios. Se ha desarrollado también como líder académica por medio de talleres, conferencias dentro y fuera del país, y como actual profesora de Maestría y Posgrado de Global Fashion Management en CENTRO. Actualmente es cofundadora de Bestia Durmiente, una marca de moda ética enfocada en el descanso hecha en México. También es cofundadora de la plataforma Que Perra mi Amiga, una plataforma de transversalidad y empoderamiento con un enfoque inclusivo. Daniela es una mujer profesionalmente activa, que disfruta del arte, la gastronomía, la música, la moda y ama a los animales.

Verónica Monsivais (Salamanca, 1972)

Verónica Monsivais estudió la licenciatura en diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana, en la ciudad de México. Realizó el diplomado en comunicación visual en la Hochschule für Gestaltung und Kunst, en Basilea Suiza. Colaboró en el diseño de la tipografía Mayathán, para escribir lenguas mayas antiguas y modernas.

Es socia de Taller de comunicación gráfica, despacho de diseño enfocado principalmente en proyectos de carácter cultural tanto de identidad gráfica como editorial, para instituciones como el Museo del Palacio de Bellas Artes, el Museo Carrillo Gil, el Museo Nacional de Arte, la Fundación BBVA, el Fondo de Cultura Económica, el Centro Cultural de España en México, el Banco Mundial y Kew Gardens, entre otros. Sus proyectos editoriales han sido reconocidos por varias instituciones promotoras de la lectura y del libro ilustrado. En 2014 el Banco del libro de Venezuela seleccionó su colección Había otra vez y recibió el premio de la American Association of Museums por la revista M Museos de México y el mundo y el premio Quórum en varias ocasiones. Ha impartido talleres en el Centro de las Artes de San Agustín, en Oaxaca. Desde 2005 es docente en Centro de diseño, cine y televisión en la Ciudad de México impartiendo clases de color, diseño de letra y tipografía.

Maricris Herrera (Ciudad Juárez, 1974)

Maricris Herrera se formó como arquitecta, y en su búsqueda por encontrar una salida más conceptual a su trabajo, le fue restando planos a las dimensiones arquitectónicas hasta encontrar una expresión gráfica cuyo proceso partiera del entendimiento del espacio tridimensional. Al estar su práctica centrada en la información —los libros, el arte, la cultura— opera deliberadamente desde “la falta de diseño”, buscando que el contenido tome orgánicamente su forma. En sus propias palabras, “Mi papel como diseñadora gráfica es entender la información y saberla contener”. Evitando entonces crear discursos narrativos sobre lo que ya fue previamente conceptualizado, su trabajo se centra en la provocación de experiencias por medio de texturas, tipografías, cambios de papel y elementos sorpresa. En 2015 fundó Estudio Herrera en la Ciudad de México como una práctica colaborativa para explorar las posibilidades del diseño en la producción de arte y cultura. Además de ser uno de los principales estudios de diseño gráfico a nivel nacional, su trayectoria le ha ganado un lugar en el tejido efervescente del arte contemporáneo. Estudio Herrera presta servicio a instituciones privadas y públicas, museos, y líderes de diversos ámbitos. Además, colabora extensamente con artistas, curadores, editores, arquitectos, y diseñadores. Su compromiso por comunicar el conjunto de valores implícito en la práctica colaborativa es lo que ha llevado a su estudio a forjar relaciones continuas con sus clientes.

María Marín de Buen (Ciudad de México, 1986)

María Marín de Buen es diseñadora gráfica por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México y maestra en diseño gráfico por The Basel School of Design y The University of Illinois at Chicago. Su tesis de maestría fue presentada en la exposición Designpreis Halle en Alemania como parte de los nominados al premio de diseño. El trabajo de María es una combinación entre proyectos de diseño gráfico comisionados y experimentos personales. La parte profesional se centra principalmente en el diseño de libros e impresos para el medio cultural y arquitectónico. En su práctica experimental utiliza el medio editorial como salida para la exploración de temas como el tiempo, la memoria, los límites y el cuerpo humano. María trabajó en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en el despacho CoDe Communication and Design desarrollando proyectos en Zürich y en Nueva York. A su regreso a México, impartió clases de diseño editorial en la Universidad Iberoamericana y co fundó Proyectos ninguém, taller de diseño gráfico. En 2020 se independizó y creó su estudio homónimo de diseño gráfico. María formó parte del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones en la categoría de Diseño editorial.

Frida Escobedo (Ciudad de México, 1979)

Frida Escobedo estableció su estudio epónimo en la Ciudad de México en 2006. Su práctica cuestiona los límites de la disciplina arquitectónica al operar en un amplio rango de escalas y medios; desde edificios y proyectos de conservación experimentales, hasta instalaciones temporales y esculturas públicas, objetos, publicaciones y diseño de exposiciones. Inicialmente, la reputación del estudio se basó en la fuerza de una serie de proyectos galardonados dentro de su país natal, México, incluyendo entre ellos la renovación del Hotel Boca Chica (2008), el Pabellón El Eco (2010), y la ampliación de La Tallera Siqueiros en Cuernavaca (2012). En el 2018 logró alcance mundial al recibir el prestigioso nombramiento para diseñar el anual Serpentine Pavilion, ubicado en Kensington Gardens, Londres, convirtiéndose en la arquitecta más joven hasta entonces en llevar a cabo dicha comisión. Más recientemente, Escobedo fue seleccionada como la arquitecta a diseñar la nueva ala de Arte Moderno y Contemporáneo del Museo Metropolitano de Nueva York, convirtiéndose en la primera mujer —y la más joven— en diseñar para la institución. Frida ha recibido numerosos galardones, entre los cuales destacan el Architectural League of New York’s Young Architects Forum Award (2009), el Premio BIAU (2014), el Architectural Review Emerging Architecture Award (2016) y el Architectural League Emerging Voices Award (2017). En el 2019, Escobedo fue nombrada miembro internacional del Royal Institute of British Architects (RIBA) y su estudio reconocido como una de las “100+ mejores empresas de arquitectura” del mundo por la revista DOMUS.

Karim Molina (Caracas, 1975)

Karim Molina Estudió Diseño Textil en Buenos Aires con una sólida formación laboral en Publicidad y Comunicación. Actualmente vive en la Ciudad de México, nació en Venezuela con una rica formación cultural de sus vivencias en Italia y Argentina. Su carrera ascendente en México comenzó en Mérida donde ganó el concurso textil de la Escuela de Danza Contemporánea Cressida. Tiempo después, se trasladó a la Ciudad de México, donde su trabajo transitó a la industria del diseño de objetos, convirtiéndose en una de las fundadoras de Ayres Studio, actuando actualmente como su principal talento. En 2021, Karim, entre otros socios internacionales, dió a luz a El Salón Design, una exclusiva plataforma interseccional de Arte y Diseño con sede en Ciudad de México y Miami. En los últimos años, su trabajo ha sido reconocido por la revista AD como parte de la lista de los 100 gurús de la industria del diseño en México. Mención que inspira su mente curiosa y comprometida a destacar como diseñadora.

Sandra Weil (Lima, 1983)

Sandra Weil nació en Perú, en una familia multicultural que tiene sus raíces en Turquía, Alemania, Brasil y Rumania. Su pasión por la moda y el diseño le fue transmitida desde pequeña mientras pasaba los días en el taller de costura de su abuela. Utilizando su intuición creativa diseñó su primera prenda, esta pieza eventualmente se convirtió en un objeto de deseo entre sus conocidos. Este evento marcó el comienzo de su proceso creativo. Estudió Artes Visuales con una especialidad en Diseño Gráfico en la Pontificia Universidad Católica del Perú y luego se matriculó en la Universidad Felicidad Ducé de Barcelona, donde se especializó en Alta Costura. Durante más de 12 años, la moda ha sido su forma de descubrir el mundo, de expresarse y de relacionarse con los demás. La naturaleza es su principal fuente de inspiración, los fenómenos naturales son los más frecuentes en su universo creativo. Sandra cree firmemente en la sustentabilidad, el comercio justo y en buscar tener un impacto positivo en el mundo al proveer de trabajo a los artesanos de la moda. Sus desarrollos siempre buscan ser piezas atesoradas, de múltiples usos y capaces de sobrevivir la presión de las tendencias pasajeras. Sandra lanzó su primera colección en 2012. Su marca de ropa de lujo se estableció rápidamente como un jugador importante en el mapa creativo de México y América Latina. Las colecciones parten siempre del mismo punto de partida: el alma de los vestidos y los tejidos que dan vida a siluetas inesperadas concebidas para una mujer contemporánea.

Carmen Tapia (Taxco, 1978)

Carmen Tapia es una diseñadora de platería formada en una sólida tradición familiar de plateros y lapidarios. Tiene estudios en la licenciatura en filosofía en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Ha realizado diversos estudios en el Centro Regional de Investigaciones Multidisciplinarias CRIM-UNAM como “Hermenéutica de la imagen” e “Historia de los problemas filosóficos”. Desde el 2005 dirige en Taxco su estudio-taller en el que realiza proyectos personales de arte y diseño, así como colaboraciones con artistas, diseñadores, galerías y empresas. Su trabajo ha sido distinguido con más de 20 premios en México, entre los que destacan: tres Galardones Nacionales de Platería, el Galardón William Spratling, el segundo lugar en el Primer Concurso Internacional de Joyería Contemporánea en México, entre otros. Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y ferias de arte y diseño en México y el extranjero, algunos eventos destacados son: MAD about

Jewelry, Museum of Art and Design NY, Brazil Jewelry Week. Sus proyectos de orfebrería han obtenido las becas de producción artística para jóvenes creadores y creadores con trayectoria otorgadas por la Secretaría de Cultura de Guerrero. En el año 2020 fue comisionada por el Gobierno de México para realizar el diseño de la Condecoración Miguel Hidalgo. Carmen ha formado un sólido andamiaje teórico, formal y técnico, que le ha permitido sintetizar sus ideas estéticas en el lenguaje de la joyería contemporánea. Durante su proceso creativo investiga y manipula las propiedades topológicas y plásticas de las superficies y cuerpos minerales.

Martacarmela Sotelo Abbud (Ciudad de México, 1972)

Martacarmela Sotelo tiene una Licenciatura en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana, una Maestría en Artes Visuales de la Universidad Central Saint Martins y una segunda Maestría en Negocios, Innovación y Creatividad por la Universidad Centro. En el 2009 fundó su estudio de Joyería Contemporánea y en el 2012 dirigió en México la Fundación Otro-Diseño dedicada a la Cooperación Cultural y Desarrollo; una organización sin fines de lucro con base en Holanda para promover la Joyería a nivel Internacional. Martacarmela ha exhibido su joyería artística en diferentes museos como el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, Bellevue Arts Museum en Seattle, Houston Centre for the Contemporary Art, Museo de Bellas Artes en Buenos Aires y Tallin, Museo de Antropología e Historia, Museo Amparo, Museo de las Culturas Populares, Museo Tamayo, Palacio de Iturbide y MUAC entre otros. También en galerías como Marion Friedmann Gallery en Londres, Bettina Flament Gallery en L’Ille, A/dornment Gallery en Venecia y Tincalab en Lisboa, entre otras. Ha participado en Design Week Nueva York, Londres y México. Ha participado en “MAD about Jewellery” en el Museo de Arte y Diseño de NY y en “Destination México” en el MoMA en esta misma ciudad. En el 2016 comenzó como profesora en la Licenciatura de Diseño Textil y Moda en Centro de Diseño, Cine y Televisión, en el 2018 se convirtió en la coordinadora del programa de Joyería Contemporánea y en el 2021 se convirtió en la Directora del departamento de Moda en esta Universidad. Actualmente es la directora creativa de la marca TANE.

Steph Orozco (Monterrey, 1990)

Steph Orozco es diseñadora de Moda, establecida en Estocolmo, Suecia. Dedicada al diseño de indumentaria, fotografía, poesía y arte. Desde el 2014 lleva la dirección creativa de su proyecto homónimo Steph Orozco donde cuestiona la producción en serie, el ciclo de vida de las prendas y el comportamiento social a través de la moda abordándola desde diferentes perspectivas borrando la frontera entre disciplinas. Fue finalista en Project Runway Latin America, 2013 y exponente en plataformas nacionales e internacionales como Nicaragua Diseña, 2015; Exintex, 2016; Abierto Mexicano de Diseño, 2019 y Fashion Revolution Week México, 2021. Ha sido partícipe en exposiciones colectivas como “Entramando Lazos” en el Centro de las Artes SLP Centenario (2019). “Punto de Partida: Modas, tramas y textiles” en el Centro Cultural Fábrica de San Pedro en Uruapan (2022), entre otros. Como miembro activo del estudio colectivo y galería –Detroit Stockholm– ha participado en las exposiciones colectivas: “What / What Now” en Estocolmo, Suecia, 2020; Juxtapose Art Fair en el Centro Cultural Godsbanen en Aarhus, Dinamarca, 2021 y “Organic Shifting” en la agenda de Kulturnatt Stockholm 2022. ¡Dentro del colectivo feminista OBS! obtuvo la beca Estrid Ericson’s Foundation que apoya la investigación en la disciplina del diseño, el arte y el trabajo artesanal para desarrollar el proyecto “Liquid Feast” dentro de la agenda de Stockholm Craftweek 2022. Además de dirigir su proyecto de marca, desde el 2021 desarrolla la línea Replaceremake para la boutique de moda de segunda mano Replace Fashion y recientemente forma parte del equipo de diseño de la marca sueca Rave Review.

Cynthia Buttenklepper (Ensenada, 1984)

Cynthia Buttenklepper nació en Ensenada, Baja California. Realizó sus estudios de diseño de moda y textil con una especialidad en estilismo de moda en el IED Istituto Europeo di Design de Barcelona. Después de trabajar en países como España y Turquía regresa a México en el 2011 para fundar su marca homónima. Ha presentado colecciones y participado en las principales plataformas de moda en México como Mercedes Benz fashion week y en ciudades como París y Nueva York. Su trabajo ha sido publicado en medios como: Vogue, New York Times, Women’s wear daily, por mencionar algunas. Ha colaborado con marcas como Nike, Honor, Patron, entre otras. En el 2018 fue ganadora del premio Vogue Who’s On next México y es hoy un referente del diseño lationoamericano. Cynthia Buttenklepper experimenta con la esencia de materiales y el imaginario, encontrando así un sitio en el que las siluetas dialogan con la figura humana. Crea colecciones controladas de piezas limitadas utilizando remanentes textiles (dead stock fabrics) de alrededor del mundo, mientras que implementa métodos tradicionales que rinden homenaje a la preservación de siluetas ancestrales. Las colecciones están compuestas de piezas que son tan complementarias como lo son versátiles y que funcionan entre sí para trascender en el tiempo. Producidas en pequeños talleres en México. Cynthia está activamente dedicada al consumo consciente –parte fundamental del ADN de la marca–, y comprometida al desarrollo de la industria de la moda en México, compartiendo el diseño mexicano a través de nuevos ojos.

Felipa Tzeek Naal (Nunkini, sin fecha)

Felipa Tzeek Naal, hija de Olga Kantum Tzeek, forma parte de una comunidad que conserva la tradición artesanal, herencia familiar que se ha transmitido de generación en generación y que se ha convertido en su principal ingreso económico.

Felipa aprendió a la edad de 7 años y desde ese entonces, junto con su madre, han procurado preservar las técnicas originales de su comunidad. Entre ellas, los diseños antiguos de la civilización maya en la elaboración de esteras. Estas piezas son elaboradas a partir de un tejido muy fino con grecas de colores, en las cuales utilizan la planta llamada Chackxin; una hierba roja que extraen del campo y se emplea para tintar el huan y así brindarle un color ocre. Esta planta la han utilizado desde hace 150 años. Tanto madre como hija han sido reconocidas por su labor artesanal dentro de su comunidad y también han recibido reconocimientos especiales, entre ellos el premio otorgado por Fomento Cultural Banamex.

Cristina Romo Castillo (Ciudad de México, 1986)

Cristina Romo, a partir de la observación y análisis de su entorno cotidiano, sintetiza escenas y formas naturales en piezas decorativas y funcionales. Es la tercera generación en una familia de diseñadores plateros. Creció en los talleres que fueron de su abuelo, Don Antonio Castillo y posteriormente de su mamá Emilia Castillo. Inmersa en un ambiente de creatividad y trabajo, a los cuatro años comenzó a diseñar prendedores de plata, mismos que vendía con gran demanda en las galerías en donde su madre exhibía sus piezas. Junto a ella, Cristina fue tomando cariño por el trabajo orfebre. Mientras crecía y jugaba en el campo, la naturaleza fue permeando su ser y no es casualidad que en sus diseños encontremos representaciones e interpretaciones de elementos y situaciones naturales; árboles, insectos, ríos y flores. En la adolescencia, dejó El Rancho, pero años después, regresó a vivir y trabajar allí. Comenzó a jugar con técnicas y materiales, dando forma a todos esos diseños que por años se gestaron en su mente. Y así, aquellos árboles, insectos, ríos y flores que algún día la hicieron soñar, retomaron su cauce y la hicieron volar.

Rufina Ruiz López (Santa María Atzompa, 1969)

Rufina Ruiz López, artesana de tierra, es la novena de once hermanos oriundos del
municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca. Escultora egresada del Centro de Artes San Agustín Etla. Complementó su formación académica cursando un Diplomado en Diseño Industrial de Objetos en CASA/UNAM. Ha colaborado en diversas exposiciones entre ellas: Cómo hablar mal del puente si no lo has atravesado, en CASA Etla, Oaxaca, 2015; Cacao, museo del chocolate, CDMX, 2015; Diseño de objetos industriales, MUAC-UNAM; Voces que nacen del subsuelo, CASA Etla, Oaxaca, 2019. También se destaca su participación en la Bienal de Cerámica en Bélgica, 2015; Tierra y cielo, Revista internacional Vogue, 2021; El alma en el barro Revista AD Architectural Digest, 2021. A su vez ha impartido talleres como Jugando con el Barro en la escuela Papalote, Oaxaca y Titiritando el barro en el universo de Morales en el Museo Infantil del Niño MIO, Oaxaca. Rufina López obtuvo el premio Mujer líder 2018, CANACINTRA. En el presente año participó en la bienal iberoamericana diseño de producto industrial obteniendo mención de diseño sostenible con su proyecto Enfriador portátil de agua.

Trine Ellitsgaard (Copenhague, 1954)

Trine Ellitsgaard, es una artista textil danesa que vive y trabaja en Oaxaca, México desde hace 35 años. Tras la creciente popularidad del mezcal, notó que los destiladores solo utilizaban el corazón de la planta de espadín y las hojas se descomponían en la tierra, alterando el frágil ecosistema local. Trine Ellitsgaard convierte estas hojas de agave en fibras para tapices, inspirada en la cultura mesoamericana y el entorno que habita. Su trabajo con la fibra del agave, se dio por su interés en la innovación y las fibras naturales, esto la llevó a colaborar con Hermano Maguey, una organización sin fines de lucro de impacto social local, para encontrar una forma creativa de resarcir el problema. Para fabricar sus tapices, utiliza una máquina para extraer fibras de las hojas desechadas de Espadín, para después hilar la fibra a mano y teñirla con pigmentos naturales como la cochinilla y el índigo. Estos tapices se fabrican en el pueblo zapoteco de Teotitlán del Valle, Oaxaca, que tiene una larga tradición en la fabricación de textiles hechos con telares manuales. A medida que cada pieza pasa por distintas manos, el resultado se vuelve una creación única que trae consigo las tradiciones del pasado al presente.

La colección Agave es la forma de Ellitsgaard de preservar los textiles tradicionales y arrojar luz sobre un mundo interrumpido por la industrialización. “Necesitamos cambiar nuestra forma de pensar sobre lo que usamos y cómo lo usamos. Quiero recordarle a la gente que cuide la naturaleza” Trine Ellitsgaard.

Angela Damman (Minnesota, 1969)

Maxine Álvarez es ceramista y vive en Guadalajara, México. Hija de la pintora Maxine Scherb Mc intosh, creció en un entorno artístico. Estudió Letras en UAG e inició de lleno con la cerámica en Los Ángeles, California en 2014. El diseño de Maxine se enfoca en resaltar la relación entre la pieza como elemento cultural cargado de significados y su interacción con una naturaleza que rebosa de diversidad. Su inmersión e inquietud por entender las propiedades de las tierras recolectadas del entorno, los esmaltes de alta temperatura y de cenizas formuladas por ella, la han inclinado a entregarse a la investigación de materiales naturales y su interacción entre ellos. Como ceramista se ha enriquecido al compartir sus hallazgos con la comunidad e interactuar con alfareros ceramistas mexicanos y de otras latitudes. En 2020 fundó Casa Ceniza, taller colaborativo y espacio de intercambio de conocimientos en donde se mantiene un continuo de invitaciones a artistas de fuera, además de charlas, exposiciones y talleres. Con esto se ha creado un acervo de documentos y material para consulta el cual crece con la información de lo que se investiga y aprende cada día. Para Maxine el mundo que nos rodea contiene el lenguaje del origen. A través de sus piezas busca comprender el territorio en el que vivimos. Su fragilidad, su resistencia, su adaptabilidad para después moldearse según la alquimia de los minerales y las inclemencias del fuego.

A través de sus piezas, nos presenta el carácter simbólico de un presente ligado al pasado que cuentan una historia y despiertan recuerdos, anhelos y pertenencia.

Angela Damman (Minnesota, 1969)

Angela Damman es una marca de lujo sustentable, inspirada en la belleza de las fibras vegetales nativas y las antiguas tradiciones artesanales de Yucatán, México. Desde 2012, Angela y su talentoso equipo de artesanos han colaborado en el diseño y producción de textiles, productos de lujo y trabajos de edición limitada, hechos a mano. Los esfuerzos de Ángela no solo conectan conocimientos centenarios con el diseño contemporáneo, sino que también tienen como objetivo ayudar a estimular el desarrollo económico local y preservar el patrimonio cultural de las comunidades mayas. Su trabajo se produce en su estudio, ubicado en una hacienda histórica en Yucatán, México, y en los pueblos vecinos. Ella cultiva sus propios materiales, incluyendo agave henequén, agave sisalana y sansevieria. Su primer esfuerzo fue tejer un textil muy refinado a partir de fibra de henequén, utilizando el antiguo proceso de telar de cintura en colaboración con mujeres locales expertas en este oficio. El resultado fue un luminoso textil que abrió oportunidades para nuevos diseños y aplicaciones en el mercado de artículos de lujo. Desde entonces, ha continuado explorando ideas únicas de arte y diseño con fibras vegetales, ampliando sus esfuerzos para incluir el agave espadín de los campos de Oaxaca. El trabajo de Ángela se ha mostrado en varios museos y exposiciones en México y en el extranjero, incluido el Museo de Arte Popular, Fundación de Artistas, Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC, Epiphany Arts Center Chicago, entre otros. Ha aparecido en varias publicaciones, incluidas Vogue, Architectural Digest Mexico, Architectural Digest US, New York Times, entre otras plataformas de prestigio.

Laura Noriega (Guadalajara, 1980)

Laura Noriega es Licenciada en Diseño Industrial por la Universidad de Guadalajara, en el 2003, con dos experiencias internacionales en la Universidad Autónoma de Barcelona, España en el 2000 y en la Universidad del Bio Bio Concepción, Chile en 2002. Maestra en Arquitectura de Interiores por el Politécnico de Milán, Italia en 2007. Ganadora de la beca de investigación “Modern Design and Traditional Craftsmanship” del Kyoto Institute of Technology en Kyoto. Su experiencia profesional abarca el diseño de producto y de interiores, proyectos colaborativos y de investigación en temas como: cultura y sociedad, técnicas artesanales y territorio, experimentación de materiales, tendencias, innovación, entre otros. Ha diseñado y dirigido talleres con diversas temáticas alrededor del diseño, el desarrollo y las tendencias tanto para la Academia de diseño como el sector privado e impartido conferencias en Congresos, Foros y Universidades en México y en el extranjero. Directora creativa y cofundadora de la marca de diseño atemporal hecho a mano en México tributo que con su catálogo de productos para el hogar genera una cartografía de la diversidad cultural y material en México. Sus proyectos, en forma individual y colectiva, han sido expuestos en importantes foros y exhibiciones nacionales e internacionales, como son: Ex Convento del Carmen Guadalajara, Museo Nacional de Antropología, Museo Franz Mayer, Museo Tamayo, Museo del CHOPO, Museo de Arte Popular, Dubai Design Week, Wanted Design NYC, Ventura Lambrate Milano, Tokyo Design Week, Salone Satellite del Salone Internazionale del Mobile en Milano, Berlin Design Week, Tent London, entre otros.

Perla Valtierra (Ciudad de México, 1983)

Perla Valtierra es la diseñadora y fundadora de Valtierra Cerámica. Nacida y criada en México, Perla ha vivido en París, Japón y Bruselas. Quizás nada la defina mejor que ser una eterna exploradora de tierras de minerales y texturas diversas, una alquimista que mezcla gamas y juega con esmaltes: esta búsqueda constante hace que su trabajo sea delicado, sí, pero contundente. Los inicios de su marca -Valtierra- se remontan al estudio de la alfarería tradicional en varias comunidades de su país natal, entre ellas, Zacatecas y Oaxaca. La necesidad de conocer otras técnicas la llevó también a estudiar en Japón, para entender procesos ancestrales, así como París y México, donde ha trabajado con el talentoso maestro Jesús Torres, en la elaboración de piezas que diseña y termina con esmaltes. Aunque no descarta incursionar en otras áreas, su esfuerzo y creatividad como diseñadora se ha centrado en la cerámica y es autora de vajillas para destacados restaurantes y casas gastronómicas, así como de trabajos en el mismo material para hoteles y casas particulares. Perla es una profunda creyente de que el arte que realiza es una forma de activismo -en el sentido de devolver el valor a los objetos de uso cotidiano y evitar el consumo de la producción masiva e impersonal- la diseñadora mexicana considera que no hay nada más emocionante que poder utilizar objetos de la vida cotidiana para acompañar las rutinas diarias.

Déjate Querer (Ciudad de México, 2011)

Déjate Querer es un taller que transforma el fieltro en objetos textiles nómadas, de ensambles tejidos que nos conectan física y emocionalmente con nuestra humanidad. En sus creaciones existe una implícita historia y conocimiento cultural, naturaleza y espíritu. Un proceso productivo y creativo que transforma conceptos y tradiciones. Déjate Querer teje conexiones emocionales en la historia de su material, en su proceso creativo y en sus múltiples resultados. Si el tapete tradicional delimita y es finito como lo es un continente, Déjate Querer actúa como un archipiélago, una red de interrelaciones que generan diversidad, que conectan lugares y acciones sobre ellos. Sus tapetes pueden migrar y reconfigurarse, además actúan en múltiples dimensiones no lineales. Están formados por piezas interconectadas de fieltro, un material que al mismo tiempo está constituido por interconexiones de lana.

Sus creaciones nacen de la experimentación manual, evolucionan con su digitalización, se unen por el entendimiento universal del tejer y finalmente con el tapete, donde se da una plataforma de encuentros humanos. Su diseño es circular, donde la vida de sus piezas comienza con materia orgánica y cuando termina se regresa a la tierra. Produce localmente con un objetivo Cero Residuo al continuar creando con el material restante. Los textiles representan un punto crítico importante de convergencia. Por esto, Déjate Querer apuesta por su fuerza transformadora de consecuencias positivas y reales, de valor social y ambiental, para hacer frente a un presente y futuro que ya nos alcanzó.

Caterina Moretti (Lima, 1975)

Caterina Moretti, arquitecta mexicano-peruana, es Fundadora y Directora del estudio Peca. Estudió la Licenciatura en Arquitectura en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO) en Guadalajara, México. Maestra en Crítica y Práctica por la Universidad Politécnica de Cataluña, Barcelona. Caterina tiene la habilidad de enfocar su visión a los más pequeños detalles dentro de sus proyectos de mobiliario, accesorios e interiores, al mismo tiempo que mira a futuros horizontes para dirigir su estudio de diseño. Como diseñadora, encuentra su inspiración en la naturaleza, en los materiales que ofrecen múltiples posibilidades de formas y texturas, y en la viabilidad de transformarlos en objetos de uso diario. Su pasión por las texturas y los contrastes se traduce en una gama de objetos que parten de lo orgánico y sutil pero se imprimen desde un original punto de vista, siempre con un giro que invita a la contemplación. La presencia de Peca en premios, exposiciones y puntos de venta en el mundo se debe a la cuidadosa selección de diseñadores, invitados y artesanos con los que Caterina trabaja, así como a su espíritu único que la instiga a ir en direcciones inesperadas.

Diseño Caralarga (Querétaro, 2014)

Caralarga es un taller de diseño textil mexicano con sede en el barrio de Hércules, Querétaro. La marca fue fundada en 2015 por Ana Holschneider quien, junto a Socorro Gasca, comenzó a experimentar con la merma de hilo de algodón crudo y la mezclilla desechada por errores de producción en la Fábrica Textil “El Hércules”, que estuvo activa desde 1846. En estos materiales encontraron una fuente de creatividad e inspiración que luego se convirtió en piezas de joyería y ropa hechas a partir de estos desechos textiles. De ahí surge la esencia de Caralarga: tomar materias primas de la naturaleza, conservar su esencia y resaltar sus bondades para transformarlas en piezas artesanales de alta calidad. El trabajo de joyería textil realizado por Ana y Socorro se ha desarrollado de forma orgánica creando piezas cada vez más grandes. Así nace, en 2017, la línea Caralarga Gran Formato, una nueva forma de pensar el algodón y los textiles tejidos a mano, culminando en enormes piezas de interiorismo atemporales. Durante la pandemia del 2020, buscando reducir el desperdicio en el taller Caralarga, se desarrolló la técnica “Recuperado”, con la cual toman cortes de hilo crudo sobrantes de Gran Formato para transformarlos en otro tipo de piezas. Actualmente, Caralarga sigue buscando crecer junto a la comunidad de Hércules y posicionar a la marca dentro de la industria con diseños originales e innovadores. Sobre todo buscan compartir con el mundo la pasión que tienen por el trabajo artesanal.

Taina Campos (Ciudad de México,1986)

Taina Campos diseñadora industrial enfocada en diseño regenerativo a través de la exploración con biomateriales. Egresada del CIDI UNAM y de la Maestría en Estudios de Diseño en la Universidad Centro. Ha vivido y trabajado en Río de Janeiro, Londres, París y Oaxaca donde ha colaborado en distintos despachos y proyectos de diseño industrial, diseño estratégico e innovación social. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México donde desarrolla biomateriales y proyectos de investigación y diseño en sustentabilidad, género y educación, con los que ha sido expuesta, publicada e invitada como conferencista en distintas plataformas y congresos, como Space 10, la conferencia PIVOT, Design Week México, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, el Museo Tamayo, entre otros. En 2021 fue seleccionada como uno de los rostros de Mujeres en la Industria Creativa por Coolhuntermx. Y en 2022 fue publicada en la revista 192, como New Faces del diseño y el arte en México. Junto con Andrea Soler, creó Diseña Mexicana, el primer festival de diseño en México con un enfoque incluyente, diverso y colectivo; creado para darles amplificación proyectos accionados por mujeres, cis, trans y otras disidencias. Taina se define como activista eco-feminista y defiende la idea de que la mejor manera de hacer diseño es a través de la diversidad, la igualdad, el comercio justo, la extracción consciente de recursos, el buen manejo de desechos, procesos limpios y saludables, respeto por las comunidades locales y otros factores que involucran el diseño sustentable.

Carmen Rion (Ciudad de México, 1956)

Carmen Rion es investigadora y diseñadora textil y de moda contemporánea. Con su trabajo, propone un diálogo entre la geometría de las telas, el talento, y el conocimiento ancestral de las maestras artesanas textiles del país. El trabajo colaborativo que Carmen Rion ha llevado a cabo por más de dieciocho años con grupos indígenas de los Altos de Chiapas, en las comunidades de Zinacantán, San Juan Cancuc, Aldama y San Juan Chamula, la convierte en precursora en el rescate del uso de textiles tradicionales, al integrarlos a la moda actual. Las piezas surgen de ejercicios colaborativos y de ejercicios de diseño entre las artesanas, las costureras del taller de Ciudad de México, el equipo creativo y la diseñadora. La marca nace en 1998 con la idea de continuar la colección “De la calle a la casa y de la calle a la casa”. Un sistema de vestir combinable para estar en la casa y en la calle. Las colecciones son una compleja constelación de elementos, son atemporales, pues no siguen estándares de la moda impuesta y conceptuales al reflejar algo más allá que la simple prenda. Las colecciones de Carmen Rión, como marca y como artista, han sido exhibidas en recintos culturales en todo el mundo al ser consideradas piezas originales de relevancia. También ha participado en diversas pasarelas como Ethical Fashion en el Carrusel de Louvre, París. Además, sus piezas forman parte de la colección permanente de museos de prestigio como el Fashion and Textile Museum, en Londres.

Korimi (Ciudad de México, 2017)

Fundada por Annia Ezquerro y Monserrat Domínguez en 2017, Korimi es una marca que nació desde el amor y la pasión a las artes populares y tradiciones mexicanas. Su intención es sembrar una semilla de México en cada pieza y así diseminarla por todos los lugares a donde las piezas viajen. Desde sus inicios, Korimi ha explorado el camino del trabajo artesanal, usando técnicas de tintes naturales, bordado a mano y en colaboración con artistas y productores locales, siguiendo las prácticas de comercio justo, respeto a las tradiciones y al medio ambiente. Congruentes al significado de la palabra ‘korimi’, en tarahumara arcoíris, la intención es dibujar uno con la ilusión de enaltecer la relevancia de la cultura mexicana en el mundo, a través del trabajo y vida de las mujeres y madres detrás de la creación de cada pieza Korimi. Con el sustento en su carrera como diseñadora de moda, Annia suma su visión estética a la de negocios de Monserrat para crear piezas que cuenten historias hermosas, coloridas y llenas de tradición que pueda mantenerse vigente e insertarse en el espíritu de nuestros tiempos. Esa esencia es tan fuerte que sus piezas se venden en tiendas de trascendencia cultural como la del Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México y la del Museo de Arte Moderno de San Francisco, California, entre otras.

Carla Fernández (Saltillo, 1973)

Carla Fernández es una de las casas de moda más reconocidas de México. Trabaja a la vanguardia de la moda ética a nivel mundial, documentando y preservando el rico patrimonio textil de las comunidades indígenas y mestizas de su país. Sus diseños se crean en colaboración creativa y productiva con más de 175 artesanas y artesanos de 12 Estados de la República Mexicana que usan técnicas y procesos tradicionales que derivan en moda contemporánea. El trabajo que ha hecho en colaboración con los artesanos mexicanos se ha expuesto de manera individual en Museos como Denver Art Museum, Victoria & Albert Museum en Londres, Isabella Stewart Gardner en Boston, Museo Jumex y Centro Cultural España en CDMX, entre otros. Sumando más de 20 exposiciones colectivas de las cuales destacan Woman in Fashion en el Peabody Essex Museum, Landscapes of Design, Women at the Heart of Domaine de Boisbuchet en Fracc Centre-Val de Loire, La Quema en el Museo Anahuacalli, entre otras. Su proyecto de moda ética ha ganado premios como Design Visionary 2018 otorgado por Design Miami, Prince Claus Award, Fashion Entrepreneur of the Year por el Consejo Británico y fue nominada al Beazley Designs of the Year 2019; es miembro de la red de emprendedores sociales Ashoka. Así mismo la marca está certificada por ser socialmente responsable por Empresas B /B Corp. Ha publicado tres libros individuales, el último realizado en colaboración con Casa Dragones y más de 15 publicaciones externas a la marca.

Marisol Centeno (Monterrey, 1981)

Marisol Centeno es una diseñadora textil nacida en la Ciudad de México. En el año 2012 fundó Bi Yuu, con la visión de crear una marca en donde el trabajo se concibiera a través de procesos colaborativos con comunidades artesanales específicas fomentando la convivencia, la diversidad y el diálogo. Bi Yuu se especializa en el diseño y producción de tapetes y textiles y se rige por los valores de innovación, calidad y responsabilidad social. Bi Yuu se convirtió en un equipo interdisciplinario y multicultural que trabaja horizontalmente en un diálogo constante.

Además de Bi Yuu, en 2016 fundó Estudio Marisol, con el objetivo de ampliar su investigación y creativa como diseñadora textil. En 2017, fue acreedora al Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y ha colaborado con compañías nacionales e internacionales y también con diversos estudios de arquitectura relevantes. Ha tenido el privilegio de mostrar su trabajo en espacios como el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Museo Franz Mayer, Museo Amparo Puebla, Centro Nacional de las Artes Ciudad de México, Centro de las Artes San Agustín, Oaxaca, Museo de las Américas, Denver USA, y en el Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum, y Ferias como Zona Maco México Arte contemporáneo. Ha formado parte de mesa redonda en museos como LACMA, Los Angeles County Museum of Art. Actualmente, colabora con el equipo de diseño global de IKEA, para el desarrollo de la primera colección global encabezada por diseñadores latinoamericanos, que será presentada en el 2023. Y prepara su próxima exhibición individual en el Museo Franz Mayer.

Margarita Cantú (Monterrey, 1981)

Margarita Cantú conoció diferentes técnicas y oficios de la mano de maestros artesanos que le transmitieron su sabiduría ancestral y la inspiraron a iniciar su proyecto de vida. Sustituir palabras por símbolos implica desarrollar un lenguaje visual que refleje el manifiesto personal del artista en cada obra. Su búsqueda de estas referencias nace en Nueva York y se consolida en un viaje de estudio a San Cristóbal de las Casas, donde se instruyó en la preparación de los hilos y el tejido propio de las técnicas tradicionales, como el telar de cintura y el telar de pedal. Desde el 2009 y hasta la fecha, Margarita desarrolla proyectos de diseño interdisciplinario enfocados al cuidado del medio ambiente, colaborando con más de 150 artesanos de diferentes comunidades de los Altos de Chiapas.

Taller 67, ubicado en San Cristóbal de las Casas, se ha convertido en el punto de encuentro con maestros artesanos para co crear propuestas de indumentaria, accesorios, arte, intervención de espacios e interiorismo bajo una ética profesional humanista. La mezcla de fibras y materiales de desperdicio ha resignificado un uso estético de los residuos que se generan diariamente además de ayudar a reducirlos. Las piezas atemporales de Taller 67 han sido exhibidas en recintos tales como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y el Museo Franz Mayer en Ciudad de México, CASASPINA dentro de la Fundación Javier Marín en Morelia; México Design Time en Londres, Casa de México en Madrid, Xantico Gallery en París entre otros.

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